A l’occasion de la Journée mondiale de l’art, découvrez Cinque (5) artistes afro qui ont marqué leurs temps à travers leur art. Qu’ils soient peintres, sculpteurs, ou photographes, leurs œuvres ont parcouru et parcourent encore le monde pour le plus grand plaisir de nos yeux.
Table des Matières
EL ANATSUI
EL ANATSUI est un sculpteur ghanéen qui a passé une grande partie de sa carrière à vivre et à travailler au Nigéria. Il est l’un des artistes les plus acclamés de l’histoire africaine et les plus grands artistes contemporains au monde.
El Anatsui utilise des ressources généralement jetées telles que des bouchons de bouteilles d’alcool et des râpes de manioc pour créer des sculptures qui défient toute catégorisation.Son utilisation de ces matériaux reflète son intérêt pour le recyclage, la transformation et un désir intrinsèque de se connecter à son continent tout en transcendant les limites du lieu. Son travail interroge l’histoire du colonialisme et établit des liens entre la consommation, les déchets et l’environnement.
Né en 1944 à Anyako, dans la région de la Volta au Ghana, et a été formé au College d’ Art de University of Science and Technology, à Kumasi, dans le centre du Ghana. Il a commencé à enseigner à l’Université du Nigéria, Nsukka, en 1975, et s’est affilié au groupe Nsukka. Le critique John McDonald a dit un jour en parlant du sculpteur : «Il a fallu de nombreuses années pour trouver des artistes qui peuvent occuper une place de choix sur le circuit mondial tout en choisissant de résider en dehors du centre métropolitain. »
El Anatsui dirige actuellement un studio très robuste à Nsukka, Enugu, au Nigéria, où sont créées certaines des œuvres d’art les plus belles et les plus touchantes au monde aujourd’hui.
David Hammons
David Hammons est un artiste américain contemporain dont les œuvres sculpturales, imprimées, vidéo et peintes offrent une interprétation cruciale de l’histoire de l’art afro-américaine. En reliant les frontières sociétales entre la sphère à prédominance blanche des beaux-arts et l’histoire de l’oppression, de la dégradation et de l’esclavage culturel des personnes de couleur, il critique etpose les stéréotypes dans le monde de l’art avec une précision extrême. «Le public artistique est le pire public au monde», a fait remarquer l’artiste en 1986. «Il est trop éduqué, il est conservateur, il est en train de critiquer pour ne pas comprendre, et cela ne s’amuse jamais. Pourquoi devrais-je passer mon temps à jouer devant ce public? «
Né à Springfield, IL, en 1943, il a étudié à la Chouinard Art Institution et à l’Otis Art Institute, se liant d’amitié avec des membres clés du mouvement d’art conceptuel, dont Bruce Nauman, John Baldessari et Chris Burden. Depuis le début des années 1970, le travail de Hammons a été très influent, remportant des honneurs comme une bourse MacArthur Genius en 1991, son inclusion dans des institutions telles que le Museum of Modern Art de New York, et lui a valu une place parmi les canons du 20ème et Les artistes les plus importants du 21e siècle. Hammons vit et travaille actuellement à New York, NY.
Omar Victor Diop
Omar Victor Diop est né à Dakar en 1980. Depuis ses débuts, Omar Victor Diop a développé un intérêt pour la photographie et le design, essentiellement comme moyen de capturer la diversité des sociétés et des modes de vie africains modernes.
Le succès rapide de son premier projet conceptuel Fashion 2112, le Futur du Beau qui a été présenté à l’Exposition Panafricaine de la Biennale Africaine de la Photographie de 2011 à Bamako (Rencontres de Bamako) l’a encouragé à abandonner sa carrière dans la Communication d’Entreprise pour se consacrer à photographie en 2012.
Omar Victor Vit à Dakar, son travail comprend les beaux-arts et la photographie de mode ainsi que la photographie publicitaire. Il aime mélanger sa photographie avec d’autres formes d’art, telles que la conception de costumes, le stylisme et l’écriture créative.
Son travail est interrogatif et intrigant, prospectif, mais un peu vintage et s’inspire de l’élévation internationale de Diop, ainsi que de son héritage visuel africain.
TIGA
Jean-Claude Garoute (dit TIGA) naît le 9 décembre 1935 à Port-au-Prince. A 10 ans, il modèle l’argile. A 12 ans, il s’inscrit au Centre d’Art ou il apprend le dessin. A 19 ans, il enseigne la céramique. Il s’adonne à la composition musicale, au chant, à la pratique instrumentale. Il écrit des poèmes et des réflexions philosophiques dans les revues haïtiennes. En, 1958, il est directeur du Centre de Céramique de l’Education Nationale. En 59, il fonde le Musée de la Céramique. Il se consacre aussi à la peinture.
En 1960, il fonde la galerie Kalfou ou il propose des sources d’inspiration nouvelles. Au Festival des Arts Nègres à Dakar, en 66 il est consacré TIGA maître de la « nouvelle école ». En 68, il créé avec des amis le centre culturel « Poto-Mitan », recherche sur le vaudou. En 71, il propose, à Nérette (Pétionville), sa première exposition d’art total. Sa peinture s’affirme, il travaille la céramique, la sculpture. Il chante; danse, pratique l’expression au théâtre. Cette même année, germe de l’idée d’une communauté d’artistes paysans, le futur Saint Soleil, à Soisson-la-Montagne, au dessus de Pétionville. En 73, Saint Soleil vit, les agriculteurs peignent, dansent chantent.
De 85 à 93, beaucoup d’expositions. En 94, aboutissement personnel dans une oeuvre qui agence 100 pièces en un seul panneau de 15 m de long, « Variations sur Haïti, en Cent Mouvements » ( Médaille de la Biennale de Saint Domingue). Tiga a crée une fondation aux multiples projets, en particulier la pratique des arts comme de développement des communautés rurales.
TIGA confie : Malraux m’avait posé la question en 76: « C’est quoi l’art pour vous, Tiga? ». Alors Je n’ai rien dit. Aujourd’hui, je peux répondre. L’art est pour moi d’abord une « émanation bio-physiologique de l’homme. Ce n’est pas une affaire intellectuelle. L’art est partout. C’est l’acte de création, le premier jet qui est l’art.0 L’art est au début de tout. Dans l’évolution de l’humanité, il a précédé l’artisanat et la technicité. L’homme a tracé un cercle avant de fabriquer un bol. Quel que soit le support sensible, l’homme qui fait acte de création et qui continue est un artiste. »
Romuald Hazoume
Romuald Hazoumè, né en 1962 à Porto Novo, est un artiste yoruba de la République du Bénin En général, Romuald Hazoume s’approprie les objets trouvés et les reconstruit dans des assemblages inconnus. En les plaçant hors de leur contexte, il parvient à en modifier le sens. Ces créations ambitieuses et puissantes le marquent comme un artiste véritablement original et innovant..
Il a eu un impact très précoce sur la scène artistique mondiale avec une exposition à Londres à la Saatchi Gallery intitulée «Out of Africa» en 1992 et plus tard à New York avec plus de masques et de toiles en 1999. October Gallery à Londres le soutient depuis longtemps à travers de nombreuses expositions comme «Made in Porto Novo» qui a été présentée en 2009.
Étant très fier de son héritage yoruban, il traite de questions comme la traite des esclaves en Afrique et plus particulièrement au Bénin comme point de départ clé. Sa pièce la plus célèbre à fort impact s’appelle «La Bouche du Roi».
Ses toiles sont profondément personnelles et contribuent à préserver le langage symbolique de nombreuses tribus ouest-africaines de pays comme le Niger, le Ghana et le Cameroun. Il les ajoute chaque année en utilisant d’anciennes techniques murales comme le frottement de pigments naturels comme l’ocre et la terre cuite dans ses toiles comme arrière-plan de ses symboles linéaires.
